5ème Art Week à Luxembourg l’occasion d’une rencontre pour l’art contemporain dans toute la région : 8 au 10 novembre 2019

EDITO extrait signé Alex Reding galériste et fondateur de LUXEMBOURG ART WEEK

Cette année, pour fêter avec enthousiasme son cinquième anniversaire, Luxembourg Art Week développe son positionnement international. Une section, First Call, a été créée dans le but d’offrir aux galeries des conditions favorables pour une première participation à la foire. En tout, une vingtaine de nouvelles galeries seront à découvrir, dont la moitié dans la section Take Off, qui pour la quatrième année de suite, continue de donner à des associations culturelles et d’artistes la possibilité de se présenter à un large public comme Hariko et Sixthfloor, mais aussi à la Saarländisches Künstlerhaus de Saarbrücken.

Art Week Luxembourg en chiffres : 1000m2 , plus de 60 galeries d’art contemporain, institutions culturelles et associations d’artistes dans trois sections : Main Section, la section principale (34), Take Off, la section prospective (26) et, pour la première fois, First Call, la section dédiée à une sélection de nouvelles galeries (7). Surfaces dédiées aux exposants de  50 à 70m2 . +15 000 visiteurs sur 3 jours d’exposition. 7 pays représentés : Luxembourg, France, Belgique, Allemagne, Italie, Autriche, Singapour . 60% de galeries étrangères.

Pour ceux qui aimeraient être éclairés sur les raisons d’investir dans l’art , je vous conseille vivement de retrouver l’entretien fort instructif de la rédactrice en chef de la revue d’Art Week Luxembourg 2019 Céline Coubray avec Roman Kräussl , professeur à la Luxembourg School of Finance à l’Université du Luxembourg .

Rencontre avec Frederic Croizer de la Galerie Radial à Strasbourg

Frederic Croizer Galerie Radial Art Week Luxembourg 2019 Photo VB
Frederic Croizer Galerie Radial Art Week Luxembourg 2019©VB

J’avais rencontré Frederic Croizer l’an passé à Strasbourg à la Galerie Radial alors qu’il exposait les travaux de Frank Fischer , une série hommage à Tommy Ungerer toute en allusions chromatiques . J’ai eu le plaisir de retrouver les oeuvres de cet artiste suisse encadrant cette fois-ci les sculptures contemporaines de Hilgemann Ewerdt et Till Augustin . Je ne connaissais pas vraiment le second dont j’ai découvert les cubes de verre épais et les jeux de câbles d’acier entortillés avec élégance , mais le premier a toutes les chances de reparaître tout près de chez nous en format monumental qui prendra place à l’entrée de l’emblématique rue du 22 novembre à Strasbourg . Cependant , il est probable qu’il nous faille attendre deux années car l’affaire n’est pas si simple .

D’une part , le projet d’installation de la sculpture est lié au réaménagement de la rue , d’autre part le financement en sera assuré exclusivement par des fonds privés. Avis aux mécènes amoureux de l’art et de leur ville qui doivent songer aux avantages fiscaux qu’ils en retireront .

Ewerdt Hilgemann : Amsterdam, Berlin, Beverly Hills, New York… Et Strasbourg ! Une histoire d’histoire …

Dans l’espace public , il faut remonter à 1990 pour trouver à Strasbourg une oeuvre d’art monumentale et ce fut la « Ligne indéterminée » de Bernar Venet place de Bordeaux  .Forte de ce constat, la Fondation pour Strasbourg, présidée par Jean-Louis de Valmigère a lancé l’idée d’une nouvelle sculpture pour compléter la rénovation en cours de la rue du 22 novembre, en contactant la galerie Radial.

Le choix s’est porté sur le travail du sculpteur allemand Ewerdt Hilgemann, dont les œuvres sont exposées de longue date dans plusieurs musées aux Pays-Bas (Schiedam, Amersfoort, Gorinchem), en Allemagne (Ingolstadt, Mannheim, Amberg) ou encore en Hongrie (Budapest). Ses œuvres sont aussi exposées dans l’espace public en Allemagne (Berlin, Brème), Pays-Bas (Amsterdam, Rotterdam, Brielle), Etats-Unis (Los Angeles -quartier de Beverly Hills, Kansas City…), Corée du Sud (Ko Yang City), Finlande (Nivala, Kemi) et à New York City sur Park Avenue (surnommée l’avenue des milliardaires) en 2014.

Ewerdt Hilgemann bio courte : né en 1938 à Witten en Allemagne, Ewerdt Hilgemann a fait ses études en art à la Werkkunstschule et à l’Universität des Saarlandes à Sarrebrücken, avant de se lancer dans une série de résidences artistiques dès les années 60. Il vit depuis près de 50 ans aux Pays-Bas, actuellement à Amsterdam.

Dans les années 60, son travail s’est concentré sur des pièces murales et des installations minimalistes utilisant des tubes de résine et d’acier. De son professeur Oskar Holweck (partie prenante du groupe ZERO), il partage la vision artistique qui est de « donner des formes à l’universalité ». Dans les années 70, une première évolution se fait sentir, avec l’apparition d’un travail autour des reliefs et des sculptures géométriques en bois. C’est à partir des années 80 que le style Hilgemann va prendre son sens le plus définitif.

En 1983, c’est un cube en acier qui marquera son œuvre. Lors du symposium de sculpture East-West Forum à Dordrecht, aux Pays-Bas, il réalisa ce cube, avant de le lancer du toit d’une usine abandonnée. C’est ce travail sur la destruction planifiée des structures et de l’aléa induit qui guide aujourd’hui le travail d’Ewerdt Hilgemann, avec la mise au point d’une technique personnelle et révolutionnaire.

Le projet d’assainissement et de modernisation du centre de Strasbourg a débuté en 1907 . Il impliquait alors le déménagement de près de 3.500 habitants vivant dans 126 maisons à démolir . Au total, 420 logements sont par la suite sortis de terre et l’ensemble des habitations a été inscrite en 1996 au titre des monuments historiques. Du passé à l’avenir, l’art construit avant tout le présent.

Ewerdt Hilgemann Dancers NY / DR Galerie Radial

Une prouesse artistique et technique : depuis 1983, Ewerdt Hilgemann a forgé son style propre, celui qu’il propose aux collectionneurs. Il réalise une première forme générique, puis travaille à son implosion, par aspiration de l’air qu’elle contient avec une pompe à vide, pour permettre à la seule pression atmosphérique de sculpter et créer la forme finale.

Entre 1912 et 1945 , la rue du 22 Novembre s’est appelée Neue Strasse puis Strasse des 19ten Juni , au gré des victoires allemandes. La Fondation pour Strasbourg a choisi une œuvre qui s’inscrira à la fois dans cette histoire si particulière de la rue, et dans son avenir le plus proche. Il s’agit de deux colonnes de 5,50m de haut, pour symboliser une porte à franchir, entre passé et avenir. Elle sera réalisée en deux métaux différents, pour apporter force, aspérité et relief.

Les métaux choisis (acier inox et acier Corten) l’ont été aussi pour des considérations de pérennité de l’œuvre, l’acier Corten se renforçant par les intempéries au lieu d’en être victime. Il faut compter environ 2 à 3 mois pour la réalisation de l’œuvre, puis son transport depuis les Pays-Bas et enfin son installation. Sa mise en chantier interviendra lorsque l’investissement des mécènes l’autorisera.

Le choix d’une œuvre d’Ewerdt Hilgemann, artiste allemand mondialement connu, est aussi un message lancé quant à l’ouverture de Strasbourg sur son voisin proche et sur le monde entier.

La galerie Radial Art Contemporain, représentant Ewerdt Hilgemann, s’est impliquée, via son directeur Frédéric Croizer, pour créer les conditions et rencontres nécessaires à un tel projet. Depuis 2010, la galerie Radial Art Contemporain représente des artistes français et Internationaux. Elle est spécialisée dans le conseil à une clientèle privée, aux entreprises et aux institutions publiques en recherche d’œuvres monumentales ou qui souhaitent étoffer leurs collections.

Arrêts sur quelques autres galeries

La galerie 8+4 Bernard Chauveau Edition expose la première tapisserie de Bernar Venet

Bernar Venet tapisserie Galerie Bernard Chauveau Edition ©VB
Bernar Venet tapisserie Galerie Bernard Chauveau Edition ©VB

L’oeuvre tissée est titrée Lignes droites-Dispersion , constitue incontestablement dans la pratique de l’artiste une rupture majeure qui marque son envie d’explorer de nouveaux territoires. Il ne s’agit pas ici de retranscrire uniquement en tapisserie la complexité d’un dessin épuré, mais bien de jouer sur les rendus de matière et les accords subtils de couleurs et de brillance de centaines de fils assemblés ensemble. Cette œuvre se range sans hésitation parmi les réalisations exceptionnelles de l’artiste de ces dernières années. La conception et la production de la tapisserie a été confiée aux ateliers Néolice à Felletin (23).

La galerie belge Macadam Gallery a choisi Emeric Chantier , artiste végétaliste

Emeric Chantier Macadam Gallery Art Week 2019 ©VB Emeric Chantier Macadam Gallery Art Week 2019 Photo VB

L’artiste français Émeric Chantier crée un corpus de sculptures végétales et mécaniques mettant en avant le sentiment introspectif perçu par l’Homme face aux origines et l’avenir de la Nature.

Émeric Chantier croise des techniques de moulage et collage pour explorer les matériaux industriels comme la mousse polyuréthane, ou les éléments naturels comme la terre et le bois. Par ce procédé, le sculpteur tente d’éveiller à nouveau la conscience collective de l’humanité, elle-même invitée a repenser la place qu’elle occupe dans l’environnement. C’est a travers une vision dualiste que l’artiste sculpte et interroge la société de consommation avec un regard certes inconscient mais surtout positif et porteur d’espoir. L’œuvre  doit nous interpeler sur le lien intrinsèque qui unit l’histoire générationnelle de l’Humain à la Nature.

La galerie Michel Giraud présente l’iguane délicatement crocheté de Vasconcelos Joana

Vasconcelos Joana galerie Michel Giraud Art Week Luxembourg 2019 ©VB
Vasconcelos Joana galerie Michel Giraud©VB

Antoinette ( c’est le nom de l’ouvrage ) a été créé en 2007 par Joana Vasconcelos , artiste portugaise, née à Paris en 1971. Elle vit et travaille à Oeiras. En 2005, Joana Vasconcelos est exposée à la Biennale de Venise où sa sculpture La Fiancée fait sensation. En 2012, elle est l’invitée du château de Versailles pour l’exposition d’art contemporain. Son œuvre a pour problématique la femme et sa place dans le monde : tantôt femme au foyer, tendre aimante, tantôt femme guerrière, à l’image de ses Valkiries. L’artiste est beaucoup plus provocatrice que ne le laisse sous-entendre ce joli geko tout de crochet vêtu . Pour preuve , la censure reçue en 2012 à Versailles à propos d’une  de ses oeuvres, « La Fiancée », un lustre entièrement composé de tampons hygiéniques qui pourtant avait trouvé place à la Biennale de Venise en 2005 . Rien à dire en revanche lorsque Vasconcelos expose sa Marilyn façon paire d’escarpins géants et brillants,  dans la galerie des Glaces. En y regardant de plus près , les jolis souliers sont faits de couvercles, casseroles et bols en Inox : des trucs pour ménagère modèle années 50 . Mais peut-être regardons-nous toujours tout de loin . Approchons-nous , peut-être le Geko cache-t-il bien son jeu , qui sait ?  Galerie Michel Giraud Paris

La jeune galerie colombienne Adrian Ibanez Galeria /section Take Off expose Gloria Herazo et Juan Arreaza : small is beautifull mais pas que !

La Adrian Ibanez Galeria , installée à Tabio en Colombie dans un environnement rural et montagneux se propose d’être une fenêtre ouverte sur le monde de l’art contemporain dans le contexte rural, comme un espace de réflexion , de plaisir artistique, un espace qui se lie socialement à la culture de toute une région.

Juan Arreaza Adrian Ibanez Galeria / section take Off Art Week 2019 © VB
Juan Arreaza Adrian Ibanez Galeria / section take Off Art Week 2019 © VB

Juan Arreaza  construit des scénarios imaginaires qui se réfèrent à des modèles économiques, indiquant qu’à partir de leur structure , leur production et leurs déchets (comme dans le cas des papiers d’emballage) , les options visuelles présentes fonctionnent comme le support intervenant. Voici différentes images qui invitent à jouer, vues à partir de l’action effectuée par le personnage dessiné, ou le jeu pour modifier le support, ainsi que d’avoir à chercher le personnage dans les plis ou les rides du papier. Cette série de dessins fait aussi référence à des rencontres quotidiennes d’images et de personnages, qui survivent de leur métier .

Le papier, les déchets, le remplacement constant de chaque article, outil, produit et image, pointent à peine parmi les logos une solution qui semble momentanément, pointer directement vers le « recyclage », ou plutôt, la réutilisation des matériaux qui les rend presque éternels, en vie utile ou résidus. Et, éternel dans le sens où le marché les re-fabrique, les rebaptise et les revend. En ce sens, on pourrait supposer qu’en les replaçant dans leur contexte, en les faisant passer de leur statut de déchets à celui d’objets reconnus comme précieux, avec un pouvoir monétaire et culturel une fois placés dans un cadre et accrochés dans une salle d’exposition, ils deviennent la « fin » du cycle de la consommation vénérée.

Gloria Herazo est une trilogie à elle toute seule : femme, mère et artiste. Ses peintures de la fin des années 90 et du début des années 2000 marquent des étapes dans lesquelles les femmes jouent un «rôle» essentiel . Leurs traits reconnaissables sont coupés pour ne laisser que la pose, la mode et le style. L’annulation de l’identité marque la mort du portrait et est remplacée par quelque chose d’autre: l’objet, le symbole, le pouvoir du masculin, du mot, de la norme. Support, fil, fibres, points de suture, papier, image, tout cela, Herazo en fait des éléments malléables qui composent les mots qui construisent le récit de ses œuvres. Les personnages pris au piège luttent pour transmettre un message que nous devrions reconnaître. Herazo a exposé ses œuvres en France, à Bruxelles, en Allemagne, en Espagne, aux États-Unis, au Panama et en Colombie.

Gloria Herazo Adrian Ibanez Galeria /Take Off Art Week 2019 Photo VB
Gloria Herazo Adrian Ibanez Galeria /Take Off Art Week 2019 © VB
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